Kim hwan-ki : Do the lines I draw go beyond the limit of the sky?

Nyaris tak dikenal sepanjang hidup dan mati tragis, kim hwan ki merupakan salah satu dari seniman yang memajukan seni abstrak di Korea. Gaya hidupnya yang peripatetik, membuatnya sering berpindah tempat tinggal. Mulai dari tanah airnya, lalu ke Jepang, ke Prancis dan akhirnya ke Amerika. Hal itu pula yang mencerminkan usahanya dalam mengembangkan dan mengekspresikan gaya lukisan abstrak yang unik.

Sebenarnya, Kim lahir dalam keluarga pemilik tanah yang kaya di pulau kecil Kijwa di Korea Selatan. Namun, keinginannya untuk menjadi seorang seniman ditentang oleh sang ayah. Hal inilah yang menjadi awal mula permasalahan hidup Kim. Setelah memutuskan untuk menjadi seorang seniman yang bertentangan dengan keinginan ayahnya, Kim diam-diam naik kapal menuju Jepang untuk belajar seni di Departemen Seni Rupa di Universitas Nihon. Di sanalah ia menemukan Modernisme Eropa — Kubisme dan Fauvisme — dan menjadi terpesona olehnya.

Selama tahun 1930-an ketika tinggal di Jepang, ia bereksperimen dengan abstraksionisme, tetapi tidak banyak karya-karya yang tersisa dari periode itu. Pada akhirnya Kim lulus dari Departemen Senirupa Universitas Nihon, Jepang. Setelah kembali ke Korea pada tahun 1937, ia bergabung dengan sekelompok intelektual sayap kiri bohemian yang mencakup penyair modernis Jeong Ji-Yong (1902-1950), penulis Lee Tae-Joon (1904-1956) dan pelukis Kim Yong. -Jun (1904-1967). Para aktivis ini memiliki pengaruh yang besar terhadap seniman muda. Setelah itu, perhatiannya beralih ke ‘sensor’ budaya Korea di bawah pendudukan Jepang. Menghadapi kenyataan kolonial yang begitu keras, Kim mulai menciptakan lukisan minyak gaya Joseon ‘vernakular’ serta lukisan modern.

Pada tahun 1939, dengan penulis Lee Tae-jun dan seniman Kim Yong-jun, Kim membentuk kelompok ‘avant-garde’ dan menerbitkan jurnal tradisionalis berjudul Munjang, yang menampilkan ilustrasinya sendiri. Anggota kelompok ini memiliki minat yang sama dalam mengumpulkan dan mempelajari barang antik Korea.

Dengan melihat masa lalu dan tradisi negara mereka sendiri, para modernis ini berusaha untuk ‘mendefinisikan’ estetika nasional bahkan ketika identitas nasional mereka sedang dimasukkan. Pilihan mereka untuk menggunakan subjek sederhana yang diambil dari masa lalu sering dikritik, tetapi dengan cara ini mereka mulai menafsirkan kembali tradisi Korea dengan harapan masa depan yang lebih baik. Harapan Kim untuk Korea yang lebih baik adalah adanya kebebasan dari penindasan dan keterbelakanangan yang didorong oleh selera dan pemikiran modern.

Antara tahun 1956 dan 1959, Kim akhirnya memutuskan untuk tinggal di Paris. Dalam periode yang singkat namun luar biasa ini, Kim melaui perkembangan artistik yang sukup signifikan. Dia terus mengeksplorasi berbagai motif dan lanskap Korea klasik, kemudian mulai menyederhanakannya menggunakan garis tebal dan bidang warna yang cerah.

Selama periode ini pula, palet biru khasnya mulai muncul. Kim sangat mencintai warna biru; “Whanki Blue” adalah salah satu karyanya yang diciptakan karena kecintaannya pada warna biru. Kim sepertinya mengganggap biru sebagai warna yang dapat mereprentasikan Korea dengan tepat karena geografis Korea sendiri yang dikelilingi lautan.

“Apa yang saya rasakan sejak tiba di sini adalah semangat puitis. Seni, menurut saya, harus berisikan syair,” tulis Kim dalam jurnalnya pada Januari 1957 saat tinggal di Paris.

“Ada syair-syair yang kuat dalam karya para seniman hebat.”

 

sumber:

 

Pada tahun 1963 pasangan itu kemudian kembali pindah ke Amerika Serikat dan menetap di New York. Itu adalah langkah yang berani sebenarnya, sungguh menakjubkan bahwa Kim menolak keamanan hidup sebagai profesor dan seniman mapan di tanah airnya untuk berkomitmen penuh pada eksperimen avant-garde-nya di negri orang.

Beberapa tahun pertama, Kim mengalami kesulitan tinggal di New York. Bahkan, kehidupan Kim disana lebih seperti seorang imigram ilegal. Pada tahun 1964 Kim menulis dalam jurnalnya: ‘Saya tidak dapat bekerja dengan baik hari ini karena mendung. Saat itu turun salju, tapi sekarang hujan, yang membuatku merasa sangat rindu dengan Korea. Sepertinya saya tidak bisa memisahkan seni saya dari Seoul. Saya tidak menyukai satu pekerjaan pun yang telah saya lakukan sejauh ini. Saya suka pekerjaan yang akan saya lukis mulai sekarang. Komposisi sederhana, warna biru yang halus — hanya saya yang bisa menciptakan dunia saya. Di luar semakin gelap.”

Selama periode New York dari tahun 1963 hingga kematiannya pada tahun 1974, Kim bereksperimen dengan berbagai bahan, teknik dan gaya, berjuang untuk harmoni dalam warna dan pola, dan membangkitkan pesona lukisan tinta Asianya yang mengalir.

Dia juga berhubungan dengan banyak lukisan hebat Amerika Modern. Melalui Adolph Gottlieb, ia diperkenalkan dengan Mark Rothko dan Barnett Newman, dan seniman Color Field inilah yang menginspirasi orang Korea untuk mulai membuat kanvas monokrom besar yang dilapisi titik-titik seperti mosaik.

Sepintas, karya-karya ini dapat dengan mudah disalahartikan sebagai abstraksi geometris Barat. Namun, pemeriksaan lebih dekat mengungkapkan bahwa asal mula garis dan titik ini adalah bentuk gunung, pohon, atau pulau-pulau kecil yang ditemukan di seluruh lanskap Korea.

 

 

“Seni saya adalah dunia spasial / Titik-titik yang saya lukis saat saya memikirkan Seoul dan banyak hal lainnya / Akankah titik-titik itu menggambarkan apa yang ada di dalam pikiran saya? / Apakah garis yang saya gambar akan menembus batas langit? / Saya telah membuka jendela baru tetapi tampaknya dunia baru tidak muncul. Aduh…” tulis Kim dalam jurnalnya pada 8 Januari 1970, saat dia tinggal di New York.

Kim Whanki – 10-VIII-70 #185 (‘Where, In What Form, Shall We Meet Again’ series) sumber: https://www.christies.com/

“10-VII-70 #185,” adalah salah satu maha karya Kim dari serialnya yang bertajuk “Where, in What Form, Shall We Meet Again”. Tiap titik karyanya di lukis sambil memikirkan bintang. dia menulis kaligrafi dengan efek buram yang sangat halus. Kim juga senang memberikan variasi pada komposisi lukisannya, menggunakan komposisi silang, komposisi split dan komposisi menara batu, yang pada akhirnya memberikan fitur berirama pada seninya.

Untuk membuat karya dengan teknik pointilis seperti itu, Kim harus berdiri selama berjam-jam dan melihat ke bawah pada kanvas yang diletakkan di atas meja, membungkuk untuk menandai setiap titik kaligrafi sambil dengan hati-hati mengendalikan cat dengan kuas tinta tipis.

Proses melelahkan dan padat karya ini secara bertahap merusak tulang belakang Kim dan pada tahun 1974, ia terpaksa mencari pengobatan. Sayangnya, ia gagal pulih dari operasi tulang belakang, dan meninggal pada usia 61 tahun.

Meskipun pada saat kematiannya Kim sudah diakui sebagai pelopor seni abstrak di Korea. Semasa hidupnya, lukisan Kim kebanyakan dijual dengan harga yang sangat murah. Hal tersebut terjadi karena pada masa itu karya seni korea sangat jarang di perjual belikan, bahkan menurut statistiknya kurang dari 10 persen. Padahal sejak 2015, harga lukisan Kim meningkat dengan sangat tajam. Menurut berbagai sumber, alasannya adalah karena orang orang baru menyadari bahwa Kim sejatinya adalah bapak baptis seni monokrom Kore. Tanpa dia, Dansaekhwa mungkin tidak akan pernah terjadi.

Pada tanggal 23 November 2019, salah satu lukisan terbesarnya, ditawarkan sebagai sorotan dari musim lelang Musim Gugur 2019 di Christie’s di Hong Kong. Ditampilkan di pelelangan untuk pertama kalinya, karya itu adalah satu-satunya diptych dalam karya Kim, dan lukisan terbesarnya.

 

Kim Whan-Ki (1913-1974), 05-IV-71 #200 (Universe), 1971. Oil on cotton (diptych).sumber: https://www.christies.com/

Ini adalah lukisan Korea pertama yang terjual lebih dari 10 miliar won ($8,48 juta) di sebuah lelang, melampaui rekor Kim sebelumnya, “3-II-72 #220,” lukisan titik-titik merah yang dijual seharga 8,5 miliar won di Penjualan Hong Kong Lelang Seoul pada tahun 2018.

material yang digunakan selama pembuatan lukisan adalah material sejenis cotton dengan menggunakan tehnik pointilis atau titik titik. yang di lukis satu persatu menggunakan cat minyak. karya ini terlihat seperti magic eye.

 

Karya ini menandai esensi dari filosofi artistik dan estetikanya yang berusaha menangkap alam di atas kanvas. Ini menandai mahakarya dari semua karya sebelumnya yang akan tercatat dalam sejarah.

“Universe 5-IV-71 #200” adalah lukisan titik tahun 1971 yang dianggap sebagai salah satu karya mani Kim, diproduksi saat dia tinggal di New York. Dia meninggal di New York pada tahun 1974. Lukisan yang berukuran tinggi dan lebar sekitar 2,5 meter ini merupakan satu-satunya lukisan diptych Kim dan juga karya terbesar yang pernah dilelang hingga saat ini.

Sementara itu dengan rekor lukisannya, hingga saat ini Kim terus mendominasi daftar 10 seniman Korea termahal. Saat ini ada sembilan karyanya dalam daftar. Satu-satunya lukisan dalam daftar yang bukan karya Kim adalah lukisan banteng karya Lee Jung-seob, yang kini terdaftar sebagai lukisan termahal kesembilan.

 

Teks oleh: Gustami Nur Alami / Pressisi angkatan 9 / Desain Interior 2019

 

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *

This site uses Akismet to reduce spam. Learn how your comment data is processed.